Костянтин Мірошник та Наталія Кургузова-Мірошник (продовження) (132 робіт)

Разрешение картинок от 800x205px до 800x1014px

У цій урочистій обстановці, Ілля Глазунов, який завжди вимагав від своїх учнів ініціативи та самостійності у творчості, вимовив з докором: «Чому нікому не спало на думку написати картину, присвячену великому російському поетові, наприклад: «Пушкін складає іспити в ліцеї» - чудова тема , хороша картина вийде, будь-який її у вас купить за великі гроші! Така картина мільйон доларів буде коштувати! А ви нічого не робите…».

Із грошима у студентів було важко. Тому деякі вирішили, що, можливо, рада Іллі Сергійовича дійсно допоможе їм виправити матеріальне становище.

Потім усі разом вирушили до Знам'янської церкви, побудованої у першій половині XIX століття за проектом архітектора І. Бланка. У храмі деякі хлопці почали радитися з Глазуновим, які книги почитати, як підійти до теми, щоб напевно вийшов вдалий твір. Ілля Сергійович тут же порекомендував проштудувати книгу, присвячену життю великого поета, яка продавалася тут же в сусідньому кіоску, ціна фоліанта виявилася для студентів непосильною, тому дороге видання так і залишилося чекати на іншого покупця.

Повернувшись до Москви, всі художники, щоб реабілітувати себе перед ректором, вирішили звернутися до Пушкіна.

І вже за кілька тижнів напруженої творчої роботи, один із найбільш заповзятливих студентів вийшов на перон Московського вокзалу в Петербурзі, тримаючи в руках свій майбутній перший мільйон доларів – картину «Пушкін у Царському селі». Художник був майже впевнений, що шедевр куплять прямо з вокзалу, але цього не сталося. Картину вдалося довести до Царськосельського ліцею. Співробітники меморіального музею зустріли спритного художника з подивом, хоч і запропонували помістити полотно в інтер'єрах ліцею, де воно й провисело чотири роки, поки майстер не забрав його назад до Москви.

Під час свого навчання у 1994 році Костянтин Мірошник брав участь у виставці робіт І.С. Глазунова в Манежі, а вже 1995 року відбулася персональна виставка майстра у місті Юрієві-Польському, яке стало за час навчання в училищі рідним. В експозиції було представлено понад сто картин, які викликали захоплені та вдячні відгуки глядачів.

У 1997 році Костянтин закінчує Академію, його дипломна робота «Старі книги» була визнана найкращою на курсі. Керівник портретної майстерні – професор Хасьянова Лейла Самулівна.

Створенню полотна передувала поїздка Костянтина до Трійця-Сергієвої лаври, щоб біля гробниці преподобного Сергія у гарячій молитві попросити благословення на створення нового твору. Костя здійснив цю подорож, щоб припасти до мощів великого молитовника, просячи собі благословення та допомоги. Багато хто говорить, що в цьому священному місці в душу сходить глибокий внутрішній світ та спокійна рішучість.

У Трійце-Сергієвій лаврі молодому художнику вдалося вкотре побачити такі улюблені їм місця, які колись були вкриті дрімучим лісом і були свідками відокремлених молитовних подвигів преподобного Сергія. Тут душу Кості знову охопило невимовне почуття розчулення.

Потім Костя попрямував до такої улюбленої ним Оптіни Пустині, яка прихистила його з матір'ю, коли молодий художник вступав до Академії.

Образ молодого ченця у картині «Старі книги» сповнений глибокої зосередженості та відчуженості. Він занурений у читання старих книжок і це стає моментом одкровення, прилучення до Вічної істини.

На картині уклінна поза послушника, благоговійність жесту рук, одухотвореність його вигляду дають нам зрозуміти, як трепетна і щира радість юнака, яке незвичайне хвилювання охопило його.

Світло, що проникає з високого вікна, м'яко падає на обличчя ченця, на сторінки розкритих книг, спалахує на червоно-золотистій тканині.

Трактування теми духовного шукання, морального становлення людини у картині передбачає тонкий психологізм, певну конкретизацію обстановки, щирість почуттів та переживань самого творця. Час ніби завмер на мить, щоб потім знову продовжити хід. Художник втілює свій естетичний ідеал, керуючись християнськими уявленнями про прекрасне, яке є найвищим втіленням добра, і в понятті православної людини – дієвого добра. Послушник сповнений внутрішнього світла у своєму прагненні пізнання Бога.

У картині образ книги набуває надзвичайно глибокого значення. Книга, особливо духовного змісту, завжди була головною, а іноді й єдиною втіхою для голодних та змучених, служила якоюсь духовною компенсацією у важкі періоди життя, історії. Книга, говорячи словами відомого поета, виправляла «біль на музику» і завжди стверджувала самоцінність людської особистості як Божого творіння, важливішого, ніж усі державні законоположення та форми устрою.

У книгах зосереджена вся мудрість та вся філософія життя. Книга є невід'ємною складовою культури, яка створює те, що ми називаємо нашим духовним світом. Духовний світ - вища форма життя, завдяки якій люди відходять від того, що, по суті, первісне відновлення фізичних сил. Якщо люди займаються лише тим, що, поглинаючи продукти, працюють, щоб ці продукти зробити - це кругообіг первісної людини. На жаль, багато хто зараз, по суті, так і живе. Лише одиниці виходять із цього кола, створюючи під час свого життя щось справді суттєве. А люди, які долучилися до них, дізнаються, що є найвищі форми життя, а дізнавшись, стають щасливими – як власне люди. І в цьому залучення важливу роль відіграє саме книга, вона – головний провідник. І справді, мабуть, жодна сфера нашого духовного життя не зрівняється з тим, що може дати література – духовна, мистецька, історична.

Книжка вчить розпізнавати велич людського буття. Вона нерозривно пов'язана з культурою, нашим соціальним виглядом, хоч би яким він був - сумним чи вселяючим оптимізм.

Жанрова різноманітність живопису художника походить від життєвої позиції самого художника, який вважає, що не можна замикатися в собі, на своїх суто особистих переживаннях, потрібно постійно прагнути моральної досконалості, божественної гармонії. Тому для Костянтина Мірошника звернення до євангельських сюжетів чи сюжетів глибоко релігійного змісту є не випадковим.

Ще одним серйозним етапом у творчості Костянтина є створення картини «Броненосець Потьомкін» (1998). Це полотно присвячене трагічним подіям російсько-японської війни. Ця героїчна сторінка історія російського флоту було перевернуто вранці 15 травня 1905 року.

Атмосфера морського бою передається художником із почуттям захоплення та гордості. Спалахи від вибухів снарядів яскраво виділяються на тлі чорніючої брили. Контрастність у колориті посилює відчуття смертельної небезпеки, що нависла над моряками. Щоправда, війни не зводяться Костянтином Мірошником до оголеного натуралізму, що у традиціях російського батального жанру: маємо не безпристрасна хроніка, а важка хвилина загибелі російського корабля, що переживається всією душею.

Згодом Наталя і Костянтин залишають дитячий садок, що притулив їх, і перебираються жити в Люберці. Так маленька квартирка на першому поверсі стає їхньою новою домівкою та новою майстернею. Художники розповідають, що житло було маленьким, сирим і незручним, вони називали його жартома підвалом. У квартирі водилися миші, яких неможливо було позбутися - ніяких способів не допомагали, доходило до того, що Костя ловив їх за хвіст і викидав у вікно.

Саме тут у Люберцях художники знайомляться з Олександром Барикиним. Одного ранку, стоячи біля відчиненого вікна, Мірошник побачив людини, що проходила повз, у капелюсі, насунутій на очі і з собакою на повідку. Костя одразу дізнався про відомого композитора, оскільки давно любив його творчість. Художник вийшов на вулицю, гукнув Барикина, і за п'ятнадцять хвилин вони сиділи в хаті у Мірошників і розмовляли за чашкою чаю, наче старі друзі.

Так почалося їхнє знайомство. З цього дня Барикін майже щодня о 8-й годині ранку стукав у вікно квартири Наталії та Костянтина, і потім, сидячи у них на дивані, писав пісні, брав уроки живопису. Завдяки розмовам друзів народжувалися нові теми картин, нові музичні композиції.

Дружба, що зв'язує композитора та художника, виявилася взаємозбагачувальною та плідною. Олександр Барикін захопився образотворчою творчістю, почав створювати картини. А Костянтин, який давно й серйозно займався музикою, завдяки продюсерському центру А. Барикина випустив компакт-диск із записом своїх пісень.

Наталія та Костянтин – незвичайні художники. Усі свої картини вони створюють у співавторстві. Художники зізнаються, що спільна робота для них і цікава та плідна. Коли двоє творчих людей постійно залучені до процесу, немає небезпеки, що хтось видихнеться на половині шляху, охолоне до теми, оскільки, як кажуть живописці: «співавторство – це постійний діалог, іноді суперечка, пошук нових рішень поставлених мальовничих завдань. визначенню може бути нудним».

Костянтин та Наталія успішно беруть участь у великій кількості виставок, про них друкують статті, репродукції робіт художників публікуються в багатьох каталогах, видавництво «Біле місто» випустило у світ монографію, присвячену творчості молодих майстрів.
Неймовірний успіх мали виставки, що відбулися 2002 року на Волзькому автозаводі та у Палаці культури та техніки ВАТ «АВТОВАЗ».
Наталія та Костянтин продемонстрували глядачам понад сімдесят робіт. В експозицію потрапили усі найкращі твори авторів – картини на релігійно-історичну тематику, пейзажі, портрети, натюрморти.

На цю першу виставку художники привезли свої монументальні полотна із зображенням Володимира Мономаха, патріарха Тихона, пейзажі з красою російської природи, церквами. Всі ці речі несуть у собі ідею об'єднання Русі, повернення до духовних джерел. Експозиція чудово демонструвала творче кредо авторів: «прагнути відродження російського реалістичного живопису, оспівувати у фарбах історію та культуру російського народу». Саме під час цієї виставки молоді художники включили у свої творчі плани створення серії картин, присвячених волзьким просторам. І це не дивно, оскільки Волга завжди надихала майстрів пензля: у другій половині ХІХ століття тут працювали художники-передвижники Ілля Рєпін, Василь Суріков, Іван Шишкін, Ісаак Левітан та багато інших.

Один із відвідувачів залишив у книзі відгуків такі слова: «У будівлі АВТОВАЗу часто проходять виставки, але нічого подібного мені бачити раніше не доводилося. До глибини душі радісно і приємно споглядати результат роботи людей справді високого таланту, таланту від Бога, які, незважаючи на наш невиразний і кон'юнктурний час, продовжують говорити про красу, про піднесені почуття. У цих картинах я побачив усе, що здатне схвилювати серце російської людини, побачив Батьківщину».

Одна за іншою проходять виставки в Самарі, Новокуйбишевську, в Московській Державній Думі.

Цікавий випадок трапився під час перебування художників у Дубаї (ОАЕ). Протягом усього відпочинку Наталія та Костянтин, незмінно о шостій годині ранку вирушали на етюди, працювали практично протягом усього дня, таким чином, через двадцять днів їм вдалося написати понад п'ятдесят робіт. Керівництво готелю, в якому мешкали художники, побачивши їх дивовижні твори, запропонувало організувати виставку. Майстри з радістю погодились. Успіх перевершив усі оживлення, Наталію та Костянтина буквально благали залишитися в країні, обіцяли надати всі умови та можливості для того, щоб художники працювали в Дубаї.

Справжньою подією в культурному житті столиці стала персональна виставка Костянтина та Наталії, що відбулася в 2007 році в «Новому Манежі», - «Високий реалізм». Захід цей відбувся багато в чому завдяки допомозі депутата Державної Думи Костянтина Затуліна, який особисто направив запит до Міністерства культури.

В організації виставки Мірошникам допомагали і друзі, і знайомі, і шанувальники таланту художників, друг сім'ї, поет та шанувальник мистецтва Іван Іванович Переверзін допоміг оформити багато робіт у рами.

Молоді художники завжди кажуть: «Найбільша нагорода для майстра – це увага, звернена до його творів». І виставка у «Новому Манежі» продемонструвала увагу досвідченої московської публіки до мистецтва Мірошников. Книги відгуків є свідченням того, що глядачі не лише визнали високий професіоналізм та безперечний талант Наталії та Костянтина, а й щиро полюбили творчість молодих майстрів.

ЖИВОПИСНИЙ ГІМН ПРИРОДІ

Костянтин і Наталія – художники надзвичайно високого таланту, які шукають, безперервно вдосконалюються, незважаючи на молодість, які вже встигли стати класиками у своєму форматі. Їхня творча думка близька і зрозуміла сучасній людині, їхнє мистецтво здатне не лише дарувати глядачеві прекрасні емоції, а й з успіхом служити вихованню любові до рідної землі. Сьогодні вони вписують в історію вітчизняного образотворчого мистецтва нову потаємну, сповнену поетичного бачення світу сторінку, створюють мальовничий гімн природі Росії.

Надзвичайно цікавою є серія творів, що належать до 2001 року, виконаних в результаті подорожі Мірошников до Об'єднаних Арабських Еміратів.

У Дубаї художники ні на мить не розлучалися з пензлем. Все, що оточувало їх щодня, ставало предметом замальовок. Результатом двадцятиденного відпочинку стало створення понад п'ятдесяти етюдів. Екзотична та первоздана природа сходу у картинах Наталії та Костянтина буквально зачаровує глядача. Ця серія етюдів відкриває для нас своєрідний, таємничий та прекрасний світ, який зачарував художників.

НЕБО, ЧИСТА, ЯК РАДІСТЬ…

Ніде, мабуть, земля не пахне так гостро, як у Криму. Ніде немає такого повітря, розпеченого сонцем, просоченого дурманними ароматами трав. І неба, про яке Пушкін сказав: «…чисте, як радість».

Художник, філософ і поет Максиміліан Волошин, який присвятив цьому краю чимало пронизливих рядків, стверджував, що краєвид Криму особливий – невловимий, мінливий, плинний, як гарячий пісок пустелі.

Однією із яскравих сторінок у творчості Мірошников є твори, присвячені Криму. Кримська серія – це тематичний цикл робіт, переважне місце в якому займають картини та етюди, що зображують дивовижні морські краєвиди. Не менш цікавими є краєвиди, на яких відображені простори України – батьківщини Костянтина Мірошника.

Костянтин, будучи захопленим краєвидами Криму, вивчаючи творчість таких видатних мариністів, як І. Айвазовський, Л. Лагоріо, А. Феслер, проте завжди був переконаний у необхідності пошуків власного шляху. Успіх кримських робіт художника було зумовлено творчим переосмисленням

Важливою якістю пейзажів майстра є їхня музичність. І це не дивно, адже митець пише пісні, грає на гітарі. Можливо, в цьому полягає секрет м'якої ліричності його українських краєвидів. У них – сумна краса, що щемить душу, наспівність, що чується у протяжних українських піснях.

Світовідчуття Костянтина романтичне, і тому кипуча енергія морської стихії схожа на душу художника – шукає, невгамовною, неспокійною в кращому значенні цього слова. Вивірена мальовнича мова напрочуд точно передає рух хвилі, що супроводжується чайками, що мчить нестримно до берега. Море, що вічно змінюється, тягне і зачаровує. Вдало продумана композиція у картині допомагає уникнути описовості, погляд глядача відразу охоплює все зображення. Мажорний колір викликає у глядача і захоплення, і захоплення нескінченним сріблясто-блакитним морським простором.

Творчий шлях, яким йдуть пліч-о-пліч Костянтин і Наталія поєднує в собі звернення до різних тем і мотивів. І поряд з вишуканими та ефектними морськими пейзажами художники переносять на полотно види звичайних хуторів та станиць, з їхніми низинами та кручами, безмежними, випаленими сонцем степовими далями, що несуть на собі прикмети дитячих та юнацьких спогадів Костянтина Мірошника.

Найулюбленішим часом року для Костянтина є літо, а одним із улюблених мотивів – сонце.

Достаток БЛАГ ЗЕМНИХ

Свідомість давніх людей наділяла світ предметів людськими властивостями, одухотворювало матеріальне, олюднювало нелюдське. У європейському мистецтві це породило появу особливого жанру, присвяченого життю речей, — натюрморту.

У натюрморті речі не просто зображені на полотні, вони живуть, кажуть, спілкуються між собою та з нами, глядачами. У натюрморті річ більша за саму себе, оскільки художник належить до Буття як особливої цінності, і це передається глядачеві в процесі спілкування з твором.

Спілкування з витвором мистецтва – це завжди діалог автора із глядачем. Твір мистецтва тому й цікаво, що за допомогою художника персонаж розкриває свою душу, запрошуючи нас до сповіді у відповідь. Картина може кольором, лінією, ритмом висловити те, що непідвладне мовлення. Її мовчазне слово, призначене для очей, говорить не менш промовисто, ніж слово, звернене до слуху.

У Голландії цей жанр називали stilleven, що означає "тихе життя", але все більш відомо слово "натюрморт" - "мертва природа".

Голландські художники створювали натюрморти з майже постійною композицією. Зазвичай їх називають десерти або сніданки. Перші stilleven прості - хліб, келих вина, фрукти, риба. Але всі предмети символічні: риба — символ Ісуса Христа; ніж - символ жертви; лимон - символ невгамовної спраги; кілька горіхів у шкаралупі — душа, скута гріхом; яблуко нагадує про гріхопадіння; вино чи виноград – символ Крові; хліб – символ Плоти Христової. Це спогад про Тайну вечерю, яка дає життя, це проповідь про спасіння.

Поступово натюрморти почали заповнюватись багатством земним: килимовими скатертинами, срібними кубками, перламутром. Проста їжа замінювалася устрицями, шинкою, екзотичними фруктами. Написане з чудовою речовинністю полотно говорило про марність людського життя, про гріховну любов до багатства земного. Є натюрморти, де келих упав, вино пролилося світ перемагає. Так у голландських stilleven з'являється спогад про іншу трапезу - про бенкет Валтасара, що веде в смерть.

Для Костянтина Мірошника та Наталії Кургузової-Мірошник натюрморт – це не тільки можливість віддати данину захоплення голландському, фламандському та російському мистецтву, майстерності прерафаелітів, але це ще й той жанр, у якому художники немов пропускає через себе кольоровичину і світлоносну красу предметного світу. , щедрість та різноманітність дарів природи.

При створенні своїх натюрмортів Наталія виходить насамперед із декоративних властивостей самих предметів. Вона групує їх на полотні, відштовхуючись від природного кольору, форми та фактури начиння, фруктів, драпірувань. Художниця хіба що створює натюрморт двічі: спочатку у реальному просторі, продумуючи всі деталі композиції, вибираючи ракурси, та був — на полотні.

Завдяки бажанню відобразити тендітне життя, так званої, «неживої» природи, прагненню передати своє, поетичне, сприйняття краси предметного світу як невід'ємної частини буття людини, Костянтином та Наталією було створено у співавторстві безліч дивовижних за красою натюрмортів.

Художники привносять у свої натюрморти ще одну важливу рису – життя речей у їхніх творах завжди пов'язане із життям людини. Незрима людська присутність відчувається у всьому: і в очищеному яблуку, і в зрізаній скоринці лимона, і в перекинутому келиху вина.

Будучи віртуозними майстрами та драматургами в живописі, Наталія та Костянтин майстерно створюють не тільки враження матеріальності та скульптурної пластичності, а й уміють передавати трепет життя зображуваних об'єктів. Щоб посилити цей ефект на багатьох картинах художники дивовижно оживляють «мертву натуру», вводячи в композиції зображення живих істот - метеликів, бджіл, бабок, птахів, равликів.

Прониклива любов до натури, до всіх, навіть найнезначніших її проявів та трепетне ставлення до деталей дозволяє художникам перетворювати всі предмети буквально на твори ювелірного мистецтва.

МИСТЕЦТВО БАЧИТИ ДУШУ

Костянтин і Наталія по праву вважаються не лише блискучими майстрами живопису та малюнка, що спираються у своїй творчості на кращі традиції російського мистецтва, а й тонкими психологами, які вміють разюче точно бачити світ. Саме тому їх роботи відрізняє безпосередня, надзвичайно прониклива і жива реакція на натуру, модель, та й саме життя.

Особливою сторінкою у творчості художників є портрет. У кожному новому творі Наталія та Костянтин відкривають у своїх моделях нові грані краси та неповторної чарівності. Погляд майстрів настільки глибокий і точний, що іноді результат спільної праці стає цікавим та несподіваним відкриттям для самих портретованих.

Портрети, створювані Костянтином і Наталією - це портрети-картини, їхнє завдання полягає не тільки в тому, щоб бездоганно правильно відтворити образ моделі на полотні, але ще й у тому, щоб втілити в фарбах всю прірву людської особистості – незбагненну і неповторну.

Однією з тем творчості художників є звеличення людини, захоплення її природною силою та красою, які Бог дав. Цілісність, переконливість і психологічна глибина портретних образів стають можливими завдяки вдумливому, уважному ставленню до зовнішнього вигляду людини, внутрішньому стану, розкриттю всіх особливостей характеру.

Твір «Бомж» характеризує властива художнику виразність типажу та висока мальовнича майстерність.
При погляді на цю роботу у глядача може виникнути певне замішання: на полотні ми бачимо зображення священнослужителя, а твір при цьому має назву «Бомж». Це пов'язано з тим, що як модель для портрета Наталія обрала бездомну людину. Художники, бажаючи допомогти бомжу, запросили його до майстерні попрацювати натурником.

Наташа розповідає, що її вразила трагічна доля цього чоловіка: 10 травня, на той момент, шановна і благополучна людина, яка мала дві вищі освіти, гарну роботу і сім'ю випадково задавила собаку іноземця, що вибіг на дорогу, порядки в країні тоді були суворі, чоловіка посадили в в'язницю, пішла дружина, майно було конфісковано. Така безглузда подія в момент змінила життя людини, була зламана доля.

Під час одного із занять у майстерню до молодих живописців, які писали бомжа, зайшов відомий художник Олександр Шилов, на той час він викладав в Академії. У цей момент студенти стали свідками німої сцени – Шилов дізнався у нині бездомній людині свого гарного шкільного друга, з яким сидів за однією партою.

В особі простого бомжа Наталія змогла побачити надзвичайно благородний типаж, вигляд, виконаний з глибоким і мудрим поглядом. Картина таїть у собі глибокий сенс, розкриває справжній трагізм існування, спустошеного жорстокими соціальними умовами життя. Внутрішній драматизм ми бачимо у всьому: у монохромному кольорі, тьмяному освітленні, втомленому, але впертому погляді портретованого у зведених нависаючих бровах. Загострена психологічна характеристика, укладена в деталях, викликає у глядача почуття безпритульності та самотності людини, яка пізнала потребу та позбавлення. Це штучно створений образ священика, але талант майстра та сила справжнього мистецтва робить його надзвичайно правдивим та проникливим.

Портрети, створювані Наталією Кургузовою-Мірошником та Костянтином Мірошником, безперечно, відрізняються здатністю глибоко сприймати індивідуальність людини та вмінням зробити цю індивідуальність відчутною для глядачів. Художники не прагнуть створення портретів у вузькому значенні цього слова. Їм вдається досягти узагальненості образу, справжньої художньої типізації, завдяки цьому роботи майстрів справляють таке сильне враження на сучасників. Наталія та Костянтин у силу свого художнього дару вміють талановито підняти над прозовою буденністю будь-який образ, у фарбах сказати про свою модель найкращі слова.

КОХАННЯ, ЩО СТАЛА ЗРИМИЙ

Серед безлічі різновидів портретного жанру найскладніший, але, мабуть, найцікавішим є дитячий портрет.
Для Костянтина Мірошника та Наталії Кургузової-Мірошник дитячий портрет є однією з улюблених тем. І поштовхом до цього стала поява на світ власної дитини.

Наталії та Костянтину з успіхом вдалося знайти напрочуд тонкі, чутливі та проникливі образотворчі засоби та способи відображення світу дитинства. Дитячі образи в їхньому живописі наділені неймовірною самобутністю, психологізмом, властивим кращим майстрам дитячого портрета.

Наскільки м'який та ліричний образ дівчинки зображений на полотні, як багато тут спокою та домашньої довірливості. Глядач не бачить жодного внутрішнього конфлікту, а лише затишне й ласкаве око світ одухотвореного дитячого раю, наївного та довірливого життя дитини. Цей твір повний того внутрішнього вогню, що зачаровує публіку з першого погляду. Дивлячись на цей портрет, хочеться багато разів дякувати Богові за те, що Він настільки великодушний, що дарує людині цей прекрасний період життя – дитинство. Безтурботний час, наповнений чаклунством, сонцем і радістю. Коли можна всьому щиро дивуватися, коли все вперше, а кожен новий день незмінно несе стільки всього незбагненного та незвичайного, що дух захоплює.

Художники завжди відзначають жвавість і непосидючість дітей, але ставляться до них серйозно, вдумливо, осягаючи рух дитячої душі. У тому роботах ясно прочитується наявність поняття самоцінності дитинства як особливої щасливої життєвої пори. На нас з портретів дивляться задумливі, примхливі, захоплені, смішні обличчя хлопчиків та дівчаток. Вони теж колись виростуть зі свого чарівного мереживного вбрання, забудуть про ляльок і улюблених плюшевих ведмедів, і вступлять зовсім в інше життя - доросле. Але це станеться трохи згодом. А зараз ці ангельські очі дивляться на нас так, як уміють дивитись лише в дитинстві, у саму душу – довірливо та відкрито. І незмінно згадуються слова класика: «діти – це кохання, яке стало зримою».

ГЕРОЇКА ТА СКОРБ ВІЙНИ

У своєму мистецтві Наталія та Костянтин прагнуть поєднання двох художніх напрямів – академізму та імпресіонізму. Імпресіонізм – це синонім кольору та свіжості живопису, а для академізму визначальним є майстерність виконання, професійні навички митця. Складно згармонізувати ці початки. Якщо художник надмірно прописує предмети, з картини йде природність і легкість, але якщо недостатньо опрацювати деталі, зображення на полотні справляє враження незавершеного твору, етюду. На думку художників під час роботи над картиною важливо професійно вирішити ці мальовничі завдання, оскільки саме завдяки гармонійному співзвуччю основних принципів академізму та імпресіонізму народжується полотно, виконане на кшталт високого реалізму.

Ще один важливий творчий принцип для Наталії та Костянтина – це наявність у картині теми. Ілля Глазунов часто говорить про те, що суттєвим недоліком у сучасному мистецтві є небажання молодих художників піднімати у своїх картинах глибокі та актуальні проблеми нашої дійсності, багато майстрів нехтують таким поняттям як тема, пишуть картини ні про що.
Одна з важливих віх у творчості Мірошников – це серія полотен, присвячених темі Великої Великої Вітчизняної війни. У таких творах художники прагнуть поєднувати емоційність та смислову глибину картини з майстерністю виконання.

До теми ВВВ зверталося багато майстрів. Костянтин та Наталія пропонують свою інтерпретацію трагічних подій того часу, їхні картини – це одночасно і роздуми про трагічні періоди історії та данину пам'яті героям та жертвам війни, прагнення до того, щоб сучасники не забували про великий подвиг своїх батьків та дідів.

Мистецтво вміє вбирати в себе найкращі та найважливіші думки, вловлювати душевні рухи свого часу. Воно одне виражає найскладніші відтінки і передає всі прикмети внутрішнього і зовнішнього вигляду людини.

Мальовнича міць, художня наповненість картини спрямовані на те, щоб через зорові образи, через той настрій, який передає нам колір, ритм створити гімн красі, що підкорює, і вічній силі мистецтва, яке, всупереч руйнівним воїнам і катастрофам, але завдяки своїй незгасній силі впливу на людину має рідкісну здатність знаходити вічне життя.
У серії картин, присвячених ВВВ Мірошники постають перед нами художниками, які мислять і співпереживають, мають пристрасний темперамент. Кожна їхня картина несе в собі життєствердний початок і прагне передати глядачеві відчуття благоговійного ставлення до подвигу наших батьків та дідів.

З якою б темою у своїй творчості не стикалися Костянтин Мірошник та Наталія Кургузова-Мірошник звернення до істини пронизує їхню роботу світлом доброти, відчуттям великої, безмежної гармонії світу.

Борисова Марина,
мистецтвознавець